Desde el punto de vista de la arquitectura japonesa

Desde el punto de vista de la arquitectura japonesa

Acabo de leer sobre una muestra itinerante de fotografías de la arquitectura contemporánea de Japón que recientemente fue presentada en el Teatro Nacional Rubén Darío (TNRD), en el marco de los vínculos diplomáticos con Nicaragua. La exposición está integrada por 126 fotografías y 8 maquetas que muestran iglesias, aeropuertos y residencias privadas, entre otras construcciones. Los edificios presentes en la muestra fueron construidos entre 1996 y 2006. Como conclusión, decir que se trata de una arquitectura moderna, a la que no estamos acostumbrados y que genera ideas.

Hablar de arquitectura japonesa contemporánea sería complicado si quisiéramos acotarla a un estilo determinado, pero resulta más sencillo si la contextualizamos y la abordamos desde una perspectiva más amplia, teniendo en cuenta los rasgos que la precedieron, la llamada arquitectura vernácula, y sus más importantes exponentes. Sólo así podremos comprender esta arquitectura, que hasta hoy, es uno de los más notables paradigmas arquitectónicos de los últimos treinta años.

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Tras la Segunda Guerra Mundial, Japón se vio en la necesidad de reconstruir su territorio después de la devastación que el conflicto generó. Se buscaron nuevos materiales y novedosas tecnologías para soportar el peso de esta reconstrucción, que contrastaba con los ejemplos de arquitectura tradicional existentes y que sirvieron de base para la renovación urbanística del país, la cual dispone de ejemplos de gran magnitud.

La coexistencia entre tradición y contemporaneidad permitió, por ejemplo, el desarrollo de una de las tipologías arquitectónicas más representativas del siglo XX de esa parte del planeta, el rascacielos, y la creación de espectaculares estructuras a base de formas geométricas complejas. En estos casos, soluciones estructurales como el cantiléver y los pilotes, utilizados en muchas de las construcciones japonesas de la antigüedad, utilizando materiales como el concreto y el acero, dieron lugar a innovadoras soluciones arquitectónicas, que han servido de ejemplo de inspiración a un gran número de arquitectos que buscaban soluciones originales.

Uno de los personajes más representativos de esta tipología arquitectónica de la post-guerra es Maekawa Kunio, quien trabajó con Le Corbusier en sus inicios y cuya influencia es notable en su obra. En sus inicios, exploró las múltiples posibilidades que brinda el hormigón, tanto estética como estructuralmente. De estas primeras obras podemos destacar la Universidad Gakushuin de Tokio que data de 1961. Posteriormente, experimentó con la fusión del hormigón con motivos arquitectónicos de la tradición japonesa, introduciendo de forma lenta y pausada el uso del ladrillo, por ejemplo, en el Metropolitan Festival Hall de Tokio (1961) y el Centro Cultural de Urawa (1966).

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Kenzo Tange es otra de las figuras clave de la arquitectura japonesa contemporánea. Tange, quien empezó su carrera trabajando con Maekawa Kunio fue uno de los máximos promotores de los planteamientos arquitectónicos modernos, en paralelismo con la defensa de la arquitectura tradicional japonesa. Tange recibió el encargo de dirigir la reconstrucción de Hiroshima. Diseñó el Parque y el Centro de la Paz, en el lugar en que impactó la bomba atómica, que constituyen símbolos de la aspiración humana por la paz. En 1967, cuando su prestigio ya había trascendido las fronteras de Japón, Tange recibió el encargo de diseñar el recinto ferial de Bolonia (Italia) y una nueva ciudad en Sicilia. A pesar de estos encargos internacionales, gran parte de su legado se encuentra a Japón. Recogió el encargo de la construcción de la nueva catedral de Tokio, para lo cual Tange visitó numerosas catedrales medievales y góticas europeas. Quedó admirado por su grandiosidad y la virtud de recrear espacios de gran misticismo, como expresó el propio Tange, quien se imaginó la nueva catedral con grandes espacios diseñados siguiendo pautas de estilo contemporáneo. Una de las grandes realizaciones de Tange es el conjunto de edificios y espacios abiertos en torno al nuevo ayuntamiento de Tokio. El Plan de 1960 para Tokyo llamó poderosamente la atención de la comunidad de arquitectos de todo el mundo por su concepto innovador que dirige el crecimiento de la ciudad hacía la bahía, utilizando puentes, islas artificiales y aparcamientos flotantes.

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Los proyectos de Tange reflejan su concepto humanista de la arquitectura. Aun así, las formas, los espacios y el aspecto deben responder a una lógica. Tange creía que el diseño de nuestro tiempo debe combinar tecnología y humanidad. La tradición puede estar presente de alguna manera en la creación de un nuevo proyecto, pero ya no es visible en la obra terminada. Ganó en 1987 el premio Pritzker, el galardón internacional más prestigioso de arquitectura.

La arquitectura de Arata Isozaki se caracteriza por sus formas vanguardistas que aluden a un contexto industrial, pero que también hacen referencia a la tradición japonesa, tal y como se muestra en el proyecto denominado: Conjuntos Aéreos para la ciudad de Tokio, donde utiliza un sistema de conectores que simulan las hojas de un árbol que emergen de un tronco central. A partir de 1970, su estilo fue cambiando, y comenzó a sustituir los elementos tradicionales por elementos post-modernistas, es decir, formas como bóvedas, esferas y otros elementos geométricos. Isozaki ha sido distinguido con numerosos premios internacionales, como el de la Asociación de Arquitectos del Japón, el de Royal Institute of Architects británico y el de la American Academy, entre otros muchos.

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Kisho Kurokawa manifiesta en su obra un gran interés por la tecnología, como lo demuestran los pabellones de la exposición universal de Osaka (1970), así como sus trabajos más recientes en los que busca alcanzar una síntesis entre la tecnología y la arquitectura tradicional japonesa, como en el Museo de Arte contemporáneo de Hiroshima. Junto a algunos colegas, cofundó el Movimiento Metabolista en 1960. Se trata de un movimiento radical avant-garde japonés que buscaba la combinación y el reciclaje de los estilos de la arquitectura sobre la base de una filosofía asiática. Kurokawa escribió que hay dos tradiciones inherentes a cualquier cultura: la visible y la invisible. Su trabajo, según él, lleva la tradición invisible de Japón. Mirando su arquitectura, la tradición no parece estar presente, pero si se excava bajo la superficie, se constatan los rasgos asiáticos de su trabajo, centrado en guardar las tradiciones japonesas de los conceptos invisibles, especialmente materialidad, impermanencia, receptividad y detalle, puntos que fueron discutidos ampliamente por Kurokawa en su explicación para una nueva onda de la arquitectura japonesa.

El trabajo de Kurokawa es una tentativa de usar la más moderna tecnología para adaptarse a una sociedad siempre cambiante. Su trabajo puede, por una parte, parecer que huye de los estereotipos de la arquitectura japonesa, pero por otra parte, después de un análisis cuidadoso, se llega a la conclusión de que la tradición japonesa fundamental se expresa en sus obras. Como él mismo dijo, “está persiguiendo las tradiciones invisibles y las está practicando como orgulloso japonés”.

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En contraste con estas propuestas, surgió el movimiento experimental del minimalismo poético de Tadao Ando, quien incorporó las preocupaciones del postmodernismo por un acercamiento más equilibrado, más humanístico que el de las formulaciones rígidas del modernismo estructural. Desde muy joven, exploró el lenguaje formal de la arquitectura tradicional japonesa, lo que le permitió desarrollar un estilo personal, sobrio y elegante con el que ha creado obras extraordinariamente novedosas. Es considerado como uno de los líderes del regionalismo crítico, rechaza el empleo indiscriminado de la arquitectura moderna en todas las culturas del mundo. Su obra combina formas y materiales del movimiento moderno con principios estéticos y espaciales tradicionales japoneses, sobre todo en el modo de integrar los edificios en su entorno natural. Una de sus características es el empleo de hormigón liso, con las marcas del encofrado visibles, para crear planos murales tectónicos, que sirven como superficies para captar la luz.

En sus trabajos, Ando rechaza el materialismo consumista de la sociedad actual, que es visible en muchas obras arquitectónicas, lo que no le impide usar en sus proyectos los materiales característicos de la época actual, aunque empleándolos de forma que aparenten sencillez y proporcionen al mismo tiempo sensaciones positivas, lo que consigue, entre otros recursos, mediante las formas, la luz o el agua. Para ello se basa generalmente en tramas geométricas que sirven de pauta para el ordenamiento de sus espacios.

Contrariamente al estilo arquitectónico tradicional japonés, Ando crea espacios interiores cerrados, y no abiertos: “Utilizo paredes para definir los límites de estos espacios, y lo hago basándome en criterios humanos, de forma que las personas perciban esos espacios como apropiados y cómodos. Con las paredes rompo también la monotonía habitual de, por ejemplo, los edificios comerciales. Finalmente, las paredes separan el exterior, frecuentemente ruidoso y caótico, del interior, que está diseñado como remanso de tranquilidad, aislado de lo demás”.

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Ando ha recibido numerosos premios y distinciones, como la Medalla de Oro de la Academia Francesa de Arquitectura, el Praemium Imperiale en 1996, el Premio Kyoto, el Premio Carlsberg y en 1995 el máximo galardón internacional de arquitectura, el premio Pritzker.

Shigeru Ban es otro de los máximos representantes de la arquitectura contemporánea japonesa. Suele considerársele un arquitecto tradicional japonés, a pesar de que no estudió en su país y además creció en una casa de estilo occidental. Su interés por la arquitectura japonesa se despertó en Estados Unidos.

Su obra se caracteriza por el uso de materiales no convencionales, como papel o plásticos. Él mismo dice que trata de evitar los detalles sofisticados.

En 1995, el terremoto de Kōbe dejó a muchas personas sin casa durante varios meses. Ban contribuyó a aliviar los daños de la catástrofe con el diseño de La casa de papel y La iglesia de papel. La construcción de las casas fue muy sencilla, puesto que para sus cimientos se utilizaron cajas de cerveza prestadas por una empresa cervecera, rellenas de arena; las paredes se construyeron con tubos de papel impermeabilizados pegados entre sí con una cinta de doble cara.

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La iglesia de papel se levantó en el lugar que ocupaba la iglesia destruida por el terremoto. Su estructura estaba formaba por 58 pilares de cartón reciclado. La construcción se realizó en sólo cinco semanas y fue realizada por los propios fieles de la iglesia, quienes trabajaron sin necesidad de maquinaria pesada.

El 24 de marzo de 2014, Shigeru Ban fue anunciado como ganador del Premio Pritzker, siendo el 7.º arquitecto de Japón en recibir el galardón. El Jurado del Premio Pritzker declaró que escogió a Ban por su uso innovador de los materiales y sus esfuerzos humanitarios alrededor del mundo, citando que es "un profesor comprometido que no sólo representa un modelo a seguir para la generación más joven, sino también una fuente de inspiración".

Ryūe Nishizawa es otro destacado arquitecto japonés. Al finalizar sus estudios, colaboró en el estudio de "Kazuyo Sejima & Associates", convirtiéndose en 1995 en uno de los fundadores de una nueva agencia ("SANAA", "Sejima and Nishizawa associated architectes") junto con la que había sido su jefa hasta el momento, Kazuyo Sejima. Sin embargo, no satisfecho con las realizaciones llevadas a cabo por "SANAA", Ryue decidió completar su trabajo abriendo su propio estudio de arquitectura en 1997, la "Oficina Ryue Nishizawa".

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En los años noventa, los diagramas adquirieron protagonismo en la obra de arquitectos como Rem Koolhaas, Kazuyo Sejima, MVRDV y Ben van Berkel. Todos ellos propusieron maneras diferentes de usar los diagramas, aunque partiendo de una misma base: liberar la arquitectura de sus limitaciones de representación y presentar nuevas formas de mediación entre lo virtual y lo real. Esta figura es tan antigua como el resto de elementos geométricos, pero no cobra una importancia teórica notable hasta que Toyo Ito se refiere a la arquitectura de Kazuyo Sejima como Arquitectura Diagramática en 1991, creando un nuevo concepto en la teoría de la arquitectura.

La figura clave para Kazuyo Sejima fue Toyo Ito con quien trabajó sus primeros años como arquitecta. Las ideas claves de Toyo Ito partían de la reflexión sobre la era de las imágenes y el mundo caótico en el que vivimos.

Toyo Ito menciona en sus escritos que “hace falta producir una corriente de aire entre el espacio real y el ficticio." Para crear esta arquitectura, "haría falta describir algún otro sistema que supere el orden y la racionalidad arquitectónicos del clasicismo.“ Kazuyo Sejima adopta esta posición también para definir una horizontalidad que deja fluir los espacios, como ya lo hacía la cultura japonesa tradicional. Esta arquitectura, "Blurring Architecture“, cuyos límites son oscilantes y sinuosos, intenta difuminar o hacer desaparecer el límite entre interior y exterior. Este interior-exterior ya no es solo físico, sino también metafísico.

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En ambos profesionales se da una arquitectura en constante metamorfosis, que defiende el edificio polifuncional como reflejo de la sociedad actual, donde la información fluye con rapidez, y la sociedad sea la que de forma al espacio. El último de los conceptos principales de Toyo Ito es el “morfema”, elemento arquitectónico que configura el perímetro de un halo de luz. Este recurso arquitectónico se repite en la mayoría de las obras de Kazuyo Sejima.

Kazuyo Sejima se mantuvo fiel a los principios de Toyo Ito hasta su ruptura a causa del proyecto de “Las viviendas de Pao” de 1985. Kazuyo Sejima dijo en una entrevista: “Trabajé durante varios años en el estudio de Toyo Ito. Como miembro de su equipo estaba convencida de que la mayoría de sus diseños eran de buena calidad. Sin embargo, empecé a sentirme incómoda cuando presentó su proyecto para Pao, una especie de espacio provisional realizado en tela. Recuerdo que me preguntaba por qué estaría intentando envolver y atar su diseño en tela. Me pareció el reflejo de viejos conceptos arquitectónicos que de algún modo Ito estaba intentando perpetuar.”

Tras esta ruptura, Sejima se encuentra con la arquitectura que apuesta por la horizontalidad, la desaparición del muro, los morfemas, el jardín y la plurifuncionalidad, produciendo una arquitectura difícil de distribuir y organizar por su propia naturaleza. Frente a esta complejidad, recurre a los diagramas como herramienta de proyecto.

No es hasta el 1991 que Toyo Ito constata que Sejima está haciendo una arquitectura diagramática. Mientras para Toyo Ito, los diagramas sirven para introducir medios de climatización, flujos de salud y estímulos sensoriales orgánicos, para Kazuyo Sejima los diagramas sirven para relacionar los espacios con las actividades. “Un edificio es en el fondo el equivalente al diagrama del espacio que se usa para describir de forma abstracta las actividades cotidianas que se presuponen en el edificio”, manifestó la arquitecta.

Su arquitectura es delicada, pero al mismo tiempo posee una personalidad fuerte, soluciona espacios de manera fluida y precisa, permitiendo que cada una de sus creaciones interactúe abiertamente con el contexto en que está.

Otra importante firma de arquitectura japonesa contemporánea es Arakawa y Gins, la cual propone una arquitectura mucho más arriesgada, que surge como un gesto de resistencia frente a la concepción moderna de los espacios arquitectónicos, al diseño inteligente y los entornos de alta tecnología.

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Su trabajo surge como antítesis de la máquina habitable, destierra la arquitectura tradicional y se opone a la retícula, dando lugar a espacios que buscan la extensión de los límites de la plasticidad sensorial, cuestionando así nuestra ubicación en el mundo. Involucrar activamente el cuerpo con la arquitectura es la premisa de los proyectos de Arakawa y Gins, La Casa Biocohesión (2000-2004) es una de las manifestaciones más evidentes de este concepto.

El trabajo de Arakawa y Gins, plantea la creación de espacios distintos y nuevas forma de habitar, mezclando conceptos poéticos, artísticos y científicos, que van más allá de las costumbres establecidas por la vida moderna.

Para mi punto de vista, el trabajo de estos destacados profesionales debe juzgarse desde una óptica universalista y teniendo en cuenta el modo en que su obra ha influenciado a muchísimos otros arquitectos de otras partes del mundo.

Su aportación constituye una valiosísima aportación en cuanto a la realización de construcciones que ponen en relación valores tecnológicos y tradicionales, que emplean materiales autóctonos y que proyectan espacios de gran valor doctrinario.

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